Caractéristiques du kimono japonais

Le kimono n'est pas seulement le vêtement national japonais, mais aussi une sorte de marqueur social. Au moins pendant plusieurs siècles, le kimono a permis de déterminer la position d'une personne dans la société, son âge et même les caractéristiques individuelles d'un personnage. Par exemple, si une fille portait un furisode, cela signifiait qu'elle était une adulte et prête pour le mariage. On peut maintenant voir un kimono similaire chez les jeunes filles déjà mariées.

Les kimonos, en passant, deviennent populaires en dehors du Japon, y compris en Russie. Quelqu'un achète même du matériel de couture Velles et commence à coudre des kimonos, non seulement pour eux-mêmes, mais également pour leurs proches.

Il est important de noter qu’au départ il n’y avait pas de différences particulières entre les kimonos masculins et féminins. La situation ne commença à changer qu'au début du dix-septième siècle, lorsque divers motifs et ornements décoratifs apparurent sur les vêtements des femmes. Dans le même temps, une tradition très intéressante est née liée à la longueur des manches. Ainsi, les filles non mariées avaient de très longues manches, alors que les femmes mariées étaient plutôt courtes.

Le kimono pour hommes, à son tour, ne pouvait se vanter d'une telle variété de couleurs et de motifs. Ce n'est pas surprenant, car à cette époque, un homme était principalement associé à un guerrier et un désir excessif de beauté dans les vêtements serait extrêmement étrange.

Kimono Patterns

Le kimono peut être considéré comme une toile idéale pour créer une œuvre d'art. Cela est facilité principalement par sa vaste superficie et par le fait que le vêtement est un objet en trois dimensions qui permet de concrétiser de nombreuses idées intéressantes.

Avec le kimono, il est souvent d'usage de porter d'autres vêtements, appelés sous-vêtements. Surtout beaucoup de ses variétés chez les femmes. Le beau sexe peut également utiliser de nombreux accessoires, en commençant par la ceinture et se terminant par des rouleaux qui tapissent les kimonos, afin de masquer les défauts de la figure.

Si nous parlons de parcelles de kimono, il convient de noter immédiatement que nombre de leurs motifs ont été empruntés à la Chine. Les Japonais croient au pouvoir magique des images et ont souvent plusieurs vêtements à la fois qui peuvent symboliser la chance, la protection divine, le nom donné à la naissance, etc.

Le motif le plus populaire est l'image d'une cigogne. Cet oiseau est considéré comme un symbole de beauté et de longévité. Peu inférieur à lui et des dessins de diverses plantes, allant du bambou et se terminant par des fleurs de prunier. Ces derniers sont particulièrement utilisés dans les kimonos, qui sont portés en hiver, car une prune est le symbole d'un beau printemps.

Les femmes dans la garde-robe peuvent souvent trouver un kimono à l’image du phénix, alors que les hommes portent des vêtements avec des dessins de dragons. Il n’est pas étonnant que des scènes dans lesquelles le personnage principal est un moineau - un oiseau qui, selon la légende, est un adversaire de la cupidité et de la jalousie, sont également populaires.

Couleurs pour le kimono

Dans la plupart des cas, les couleurs du kimono sont empruntées à des fleurs poussant au Japon. Par exemple, le kimono de couleur pivoine est un symbole de richesse et de prospérité, et l'iris est considéré comme un talisman du pouvoir masculin. Par ailleurs, il convient de mentionner les chrysanthèmes - des fleurs, qui symbolisent la famille impériale du pays du soleil levant et la tranquillité, l’inviolabilité des traditions.

En général, étant donné la présence de dizaines de variétés de couleurs de kimono, vous pouvez parler de tout cela pendant très très longtemps. Ainsi, la couleur noire au Japon n'est pas en deuil. Il symbolise la sagesse et l'hiver. Un kimono bleu est souvent utilisé en tant que gardien contre les morsures de serpents et d’insectes toxiques.

Beaucoup de choses ont changé au vingtième siècle, lorsque la culture orientale a commencé à converger activement avec la culture occidentale. Les jeunes ont commencé à commander et à coudre du kimono, qui montre une variété d'équipements, ainsi que des gratte-ciels et d'autres symboles du progrès technologique. Aujourd'hui, ces robes sont presque aussi demandées que les kimonos traditionnels.

Kimono: faits étonnants sur la geisha du costume principal

Quelles associations a le Japon? Technologie, sushi, fleurs de cerisier, geisha et kimono? Le kimono, vêtement traditionnel japonais, est si unique qu’il est étroitement associé au pays du soleil levant.

Et malgré les jeans et toutes les autres réalisations de la civilisation en matière de garde-robe, le kimono occupe toujours une place importante dans la culture japonaise moderne.

L’histoire du kimono est riche en faits, et la variété des formes et des couleurs de ces vêtements peut dérouter tout touriste. Par exemple, saviez-vous que...

Kimono au Japon est venu de Chine

En dépit de la percée technologique réalisée par le Japon dans la seconde moitié du 20e siècle, ce pays est resté longtemps dans l'ombre de son méga-voisin, la Chine.

La quasi-totalité des progrès accomplis, y compris les kimonos, ont été repris par les Japonais aux Chinois - en particulier, le kimono était à l’origine porté en Chine comme sous-vêtements.

Initialement, il n'y avait aucune différence entre les kimonos pour hommes et les femmes, et aujourd'hui, les kimonos ne sont pas seulement des vêtements pour femmes, les kimonos pour hommes sont fabriqués à partir de tissus monophoniques en sourdine et se portent sans accessoires supplémentaires.

Le mot kimono signifie littéralement "vêtement" ("une chose qui peut être portée")

Au 19ème siècle, ce terme a été largement utilisé pour faire la distinction entre les vêtements japonais traditionnels et les vêtements européens, qui ont commencé à gagner en popularité.

Différentes couleurs de coupe et de kimono importent

Pour différentes situations, des tissus de différentes couleurs sont sélectionnés, la saison pour laquelle le kimono est cousu est également importante (pour l'automne et pour l'été, des tissus de différentes couleurs et avec différents motifs seront choisis). Les kimonos à manches longues sont portés par des filles non mariées, c'est une façon de souligner le statut de la fille sur la question.

Kimono est impossible à porter par vous-même

Le kimono traditionnel se compose de 12 parties différentes qui doivent être parfaitement ajustées les unes aux autres au cours du processus vestimentaire - c’est pourquoi rarement quelqu'un est capable de porter correctement le kimono seul, et le vêtement nécessite l’aide d’un assistant (kichi). Le kimono pour homme est plus simple, il se compose de 5 parties et, pour pouvoir le mettre, vous n’avez pas besoin d’aide.

Uchikake - le kimono de la mariée pèse 15 kg

Le kimono le plus difficile - le kimono de la mariée, pour pouvoir habiller sa fille a besoin d’aide d’au moins deux personnes. Initialement, ce kimono était en soie épaisse et très lourd. Le jour du mariage était donc un test pour la mariée. Aujourd'hui, les kimonos de mariage sont cousus à partir d'une variété de matériaux, bien que la soie reste très populaire. Le prix d'un tel kimono peut atteindre 20 000 dollars et le poids d'une tenue complète peut atteindre 8-15 kg.

le kimono est passé de mère en fille

Malgré le fait qu’aujourd’hui le Japon figure parmi les pays les plus avancés sur le plan technologique, les traditions jouent toujours un rôle important. En particulier, la tradition du port du kimono reste l’une des traditions familiales les plus importantes et l’art de ce vêtement (souvent avec le vêtement lui-même) est transmis dans la famille de mère en fille.

Les apologistes de la tradition kimono sont des geishas, des filles dont le métier est le loisir culturel des invités (et pas du tout des services intimes, comme on le croit parfois en Occident).

Aujourd'hui, au Japon, il ne reste qu'environ 1 000 geishas (environ 80 000 avant la Seconde Guerre mondiale), et le kimono est leur marque de fabrique.

Kimono n'a pas de taille

Au départ, les kimonos étaient sans dimension, les sols et les manches de kimonos trop grands étaient enroulés (ce qui compliquait également la procédure d'habillage). Aujourd'hui, les kimonos sont cousus de différentes tailles, bien que les boutiques proposant des articles en soie authentiques continuent de respecter la tradition des objets sans dimension.

Il est très difficile de prendre soin du kimono traditionnel. Pour le laver, il est déchiré, lavé puis cousu presque à nouveau.

Fleur de kimono

Modifié au fil des siècles, le kimono a finalement acquis sa forme parfaite. N'ayant que deux tailles, un ajustement standard et une longueur ajustable (vous pouvez trop vous coincer sous la ceinture), il convient à toutes les personnes.

La ceinture à laquelle les kimonos sont attachés s'appelle «obi». Les hommes le fixent sur les hanches, les femmes - à la taille ou plus haut. Elle a longtemps été considérée comme une amulette qui stocke l'âme, et le nœud ou l'archet dessus est un symbole du véritable amour. Les membres d'un clan ont noué des ceintures avec des nœuds identiques, qui étaient une sorte de blason de famille prototype.

Les Japonais accordent une grande attention non seulement à la coupe des vêtements, mais également à son symbolisme. Au Japon, il est d'usage de faire attention à la couleur et au motif, qui symbolisent une certaine période de l'année [2]. Par exemple, une femme japonaise ne portera jamais de kimono d’hiver à motifs de bambou lorsqu’elle sera à l’extérieur. Les vêtements d'été sont considérés comme étant de couleur kimono avec des fleurs de cerisier, des papillons ou d'autres motifs lumineux (annexe 2). L’automne est associé aux feuilles d’érable japonaises.

Jeunes pousses de bambou, azalées délicates, sakura blanc et chrysanthème, symboles du Japon impérial. Des peintures similaires ornaient le kimono de brocart et de soie de princesses et dames de cour japonaises. Les kimonos masculins étaient brodés de dragons et de hiéroglyphes féroces, qui signifiaient «toujours le premier», «croissance», «gloire», «succès» et «richesse».

À partir du milieu du XVIIe siècle, les Japonais découvrent une nouvelle technologie permettant de peindre des tissus avec de la pâte de riz colorée, ce qui leur donne une liberté illimitée pour mettre en œuvre même la fantaisie la plus sophistiquée [22].

Au Japon, la technologie de décoration des tissus s'est développée à sa manière. Comme beaucoup d'autres choses, cela était dû à son isolement géographique, à son autosuffisance et à son originalité culturelle. On pense que la méthode de coloration, connue dans la culture mondiale sous le nom de batik, a été importée au Japon d'Inde ou de Chine. En japonais, il s'appelait roketi et était utilisé pour peindre des tissus pour écrans et vêtements. Le 8ème siècle était l'âge d'or du tissage d'art au Japon. A cette époque, il existait déjà de nombreux types de tissus; en plus du batik, on y développe des talons en cire et à la broderie - surimon, ainsi que des techniques de koketi (motifs du pochoir) et du yukhta, ressemblant au lakhera indien. À partir des siècles X-XI, le costume japonais est devenu plus luxueux que jamais. La poursuite de la complexité de la tenue a conduit à l'art d'alterner les couleurs des plis et des vêtements et de placer avec soin le motif, qui ne devrait pas se perdre dans les plis. Les dessins réalisés au pochoir sont remplacés par des graduations peintes à la main. Au fil des siècles, les préférences ont changé: par exemple, au XIIIe siècle, l'ornementation d'emblèmes est devenue à la mode et à la fin du XVIe siècle, la valeur du motif de l'intrigue serait pleinement appréciée et des images entières ont été transférées sur le tissu pour kimonos et écrans. La technique de dessin à la palette continue de se développer et, à la fin du XVIIe siècle, la technique de Yuzen développée par Miyazani Yuzen - dessiner à l'aide de pâte de riz! La question qui se pose est de savoir si les Néerlandais n'ont pas apporté cette technologie de Java. Après tout, c’est dans le commerce avec le Japon que les Pays-Bas ont acquis une position quasi monopolistique. Au début du XIXe siècle, la fabrication de tissus et de motifs atteignit un stade de perfection, mais la création d'ornementations commença à être supplantée par l'estampage, comme cela se passait beaucoup plus tôt en Inde et en Chine, où des liens ont été établis avec l'Europe dès l'Antiquité le long de la Route de la Soie, puis au cours du processus de colonisation [12].

Même le kimono quotidien au Japon a été traité avec inquiétude, un kimono a été créé au fil des ans. Le kimono a été cousu et décoré uniquement à la main, et cette action a été confiée à un maître spécialement formé. Pour la maison, les kimonos de tous les jours utilisaient des tissus sans ornement avec de simples motifs géométriques ou floraux en une ou deux couleurs. Mais même dans ce cas, la combinaison de morceaux de matériau individuels était considérée principalement avec un ornement, cherchant une composition solide.

Les motifs du tissu sont souvent alignés en diagonale, en forme de S ou de Z, ce qui a contribué à rendre le dessin vivant et dynamique. Parfois, le kimono est divisé verticalement de manière conditionnelle en deux parties, chacune peinte avec des motifs différents. La peinture a été choisie pour la saison ou une sorte de fête religieuse ou familiale. Oiseaux illustrés, papillons, grandes fleurs et feuilles. Certaines fleurs personnifiaient les saisons. La cerise a glorifié le printemps, pivoine - été, chrysanthème - automne, prunier - hiver. Le lotus a été dépeint comme un symbole de pureté et d'innocence. Avec l'esprit contemplatif des Japonais, il était possible de s'inspirer du monde extérieur à l'infini. Les motifs peuvent être rangés dans un ordre géométrique strict ou dispersés sur le tissu, comme par nature. Rencontré sur le kimono et les armoiries de leurs propriétaires.

Des kimonos élégants et festifs ont été décorés après avoir été cousus [21]. L'artiste qui a peint le kimono, ou le brodeur qui l'a recouvert de fleurs en soie fantaisie et d'oiseaux, n'a pas tenu compte des coutures, du dessin des vêtements. Certaines parties de la composition sont passées des manches aux étages, du dos à la poitrine, de la surface intérieure au devant. Il était possible de voir les détails de la composition, en considérant les vêtements comme un tableau. Après que le kimono ait été drapé sur la personne, les différentes parties ont été dissimulées dans un large pli ou fermées avec une ceinture obi. La particularité de décorer les vêtements de la même manière était dictée par le système artistique de la culture japonaise, le manque de perception de la façade de tout objet - qu’il s’agisse d’une figure humaine, d’une boîte de laque peinte pour écrire ou pour offrir. L'apparence d'une personne a été conçue pour jouer un rôle dans le système esthétique. Les compositions complexes de paysages, de genres et d’ornements sur kimono semblent fragmentées après l’acquisition de ce vêtement par un maître, mais elles sont complétées et équilibrées par des techniques décoratives utilisées pour décorer des objets avec lesquels une personne entre en contact. Les mêmes fleurs, oiseaux, papillons et libellules, motifs imitant des écailles de poisson ou des rayons de miel peuvent être vus sur le kimono et sur la peinture laquée des ustensiles ménagers.

Les mêmes principes artistiques sont à la base de la conception des vêtements d’une personne et de son domicile - un contraste entre l’utilisation de matériaux et l’asymétrie en tant que principe décoratif principal. Les kimonos du Nouvel An sont couverts d'ornements - longévité, persistance, richesse désirée, personnifiés par une tortue, une grue, un bambou et des fleurs de pivoine. Persistance, courage et loyauté sont les symboles de la carpe. C'est pourquoi, le jour des garçons, une image de ce poisson est accrochée au-dessus de chaque maison. Karpov au-dessus du toit est placé autant que des fils dans la maison. Les mêmes signes ornementaux peuvent être vus sur toutes les choses qui entourent une personne. Le plus souvent ce sont des images inspirées par la nature. Mais vous pouvez deviner les motifs associés aux anciennes légendes, œuvres d'art et littérature célèbres. Ainsi, les vagues dans le style du célèbre artiste Utamaro (1754-1806) se retrouvent non seulement sur des écrans ou des produits en laque, mais aussi sur des ornements tissés et dans la peinture sur kimono. Maîtrisant le langage artistique de leur peuple depuis leur enfance, les Japonais le maîtrisent facilement, en transmettant soigneusement les traditions nationales de génération en génération. Les principes de la conception du kimono ont été formés aux XVIIe et XVIIIe siècles, mais les artistes contemporains créent de véritables chefs-d'œuvre basés sur d'anciens motifs, thèmes et compositions ornementaux [1].

Les couleurs des vêtements, des dessins et des ornements utilisés pour sa conception revêtent une grande importance et portent en elles-mêmes les symboles et la signification secrète associés à la vision du monde des Japonais. Les couleurs des vêtements représentaient les éléments, et les dessins et ornements étaient les saisons et les phénomènes naturels. Habituellement, les éléments de Fire étaient en rouge Les éléments en métal sont blancs, les éléments en eau sont en noir, les éléments en bois sont en vert. Les vêtements de couleur jaune (la couleur de la Terre) ont longtemps été le privilège de l’empereur. Même les membres de la famille impériale n'avaient pas le droit de le porter.

Les couleurs avaient aussi leur propre symbolisme. Le jaune était la couleur de l'empereur, le pouvoir personnifié. La coloration la plus chère était le rouge. Le rouge était considéré comme la couleur de la joie. Mais le blanc était la couleur du deuil et en même temps de la chasteté. La couleur pourpre et verte a également été appréciée (Fig. 17).

Le processus d’enfiler un vrai kimono est une sorte d’acte créatif, qui ne révèle pas la personne, mais les caractéristiques de son personnage. Kimono enveloppe étroitement le corps, favorisant la patience et l'humilité. Les sols longs, les manches larges et la ceinture serrée changent les mouvements de la personne, la rendant douce et douce comme celle d'un chat.

Pour le mariage, le kimono de soie blanche avec des grues tissées portait la coiffe "Tsuno-kakushi" ("abri de cornes"). Il symbolisait la pacification de la jalousie des femmes, car les Japonais pensent que les cornes proviennent d'une femme jalouse, et non d'un mari trompé. Après le mariage, les manches ont été sélectionnées et la nouvelle tenue «tomesode» («manches assorties») symbolisait l'expérience de la vie et la féminité.

L'image d'un arbre en hausse était liée aux idées du monde sur l'arbre de vie et signifiait de bons présages. L'image de sakura, camélia ou prune signifiait l'arrivée du printemps. Œillets, lotus et iris rappelaient l’été prochain. Érable rouge ou chrysanthème - un attribut indispensable des paysages d’automne.

En plus de déterminer la période de l’année, le motif sur les vêtements avait une signification supplémentaire: le lotus signifiait la chasteté, la tendresse, la résistance au bambou et le courage. L'image d'un papillon parle du désir de bonheur, le pin symbolise la longévité. Les oiseaux qui ont afflué vers les fleurs ont fait allusion à une relation étroite. Le fruit de l’orange a été associé dans la soumission des Japonais à la continuation du genre.

Pour la conception des vêtements et du paysage a été souvent utilisé. La vue sur le mont Fuji était extrêmement commune: cet ornement paysager traditionnel le plus répandu, qui signifie le Japon lui-même. Parfois, l'intrigue pour la décoration des vêtements a été choisie parmi les œuvres de la littérature classique japonaise [21].

Les vêtements japonais ont toujours mis l'accent sur l'appartenance à un clan, à un groupe communautaire ou à une profession particulière. Par exemple, des aristocrates, des représentants de familles nobles et de la classe militaire suprême portaient cinq vêtements représentant les armoiries de la famille (mondocoro). Les blasons étaient toujours blancs et se trouvaient sur le dos, la poitrine et les manches. Ils pourraient être tissés ou imprimés.

Les vêtements des autres classes avaient leurs homologues. Les domestiques, menuisiers, pêcheurs, marchands portaient des vêtements bleus sur les côtés desquels étaient gravés des hiéroglyphes blancs - les noms des maisons qui possédaient des domestiques, des magasins, des associations professionnelles [2].

Le port du kimono est une science spéciale. Le dos est droit, le menton légèrement rétracté et les épaules détendues. Le mouvement ne doit pas être balayé et coupé. En aucun cas, même accidentellement, vous ne pouvez pas montrer les jambes ou d'autres parties du corps, cachées sous les vêtements. C'est indécent. La sagesse de cette règle réside dans le fait qu’elle égalise les femmes, jeunes et âgées, en cachant la beauté ternie de la seconde et l’attractivité de la première. Les Japonais croient qu'au fil des ans, les femmes acquièrent une beauté différente, et le kimono devient l'emballage idéal pour ce coffret de spiritualité (annexe 3).

Quel kimono en quelle saison? (partie 4 - Les modèles)

En ce qui concerne le kimono pour la cérémonie du thé, le plus souvent, il existe des variations de la couleur et de la texture du tissu du kimono lui-même, puisqu'il s'agit généralement du romomuji (無地) - le tissu est toujours de la même couleur. Ici en juin (c'est le premier mois d'été, la saison des pluies au Japon), les couleurs principales du kimono sont le vert, le bleu-bleu et le violet. Dans le motif sur la ceinture ou le motif tissé du matériau peuvent être - fleurs d'iris, d'hortensia, saule pleureur.

Mais pour comprendre le symbolisme des modèles est encore nécessaire. (J'ai trouvé quelque chose ici sur Internet et j'ai décidé de le publier dans mon journal afin de ne pas me perdre dans les archives)

Seigaiha (Seigaiha 青海波, vagues bleues) - un motif composé de vagues qui se chevauchent.

Cette tendance est venue au Japon de l'état sassanide en Perse (226-651) en passant par la Chine. Le modèle a été utilisé en Chine pour imager l'océan sur de vieilles cartes. Initialement, au Japon, les vêtements d'une variante féminine de sculptures en argile de Haniva, trouvés dans la préfecture de Gunma, étaient décorés d'un tel motif. À l'époque Heian, ils ont commencé à l'utiliser en kimono. Au cours de la période Kamakura (1185-1333), le même motif a été utilisé pour décorer des poteries et des produits glacés.
Il existe deux variantes possibles de l'origine du nom "seigaiha". Le premier concerne l'artiste de l'époque Genok, connu sous le nom de Seikai Kansichi, qui a trouvé ce motif et l'a utilisé dans bon nombre de ses œuvres. Selon la deuxième version, ce motif prévalait dans les costumes de l'interprétation de la musique japonaise «Gagaku» dans une chanson intitulée «seigaiha».
Le modèle est adapté pour porter en toute saison.

Ryusui mon’yo (Ryuusui mon’you 文様, ondes progressives) - symbolise le débit de l’eau. Il s'agit d'un modèle ancien, mentionné dans la période Yayoi (300 (900) g. J.-C. E. - 250 (300) g. AD.), Âge du bronze. Il trouva son prolongement dans l'ère Edo, où des motifs similaires étaient utilisés dans le motif du Gyorodokimoyo (motif composé de fleurs individuelles, d'arbres, de lis léopard et d'images du palais). Ryusui est souvent représenté avec un pont en zigzag, des iris, ainsi que des plantes d'été ou d'automne.

Uzumakimon (Uzumakimon 巻文, spirales) - au Japon pendant la période Jomon (de 13 000 à 300 avant JC), ce motif était utilisé pour décorer des plats en argile et en céramique, ainsi que dans des peintures rupestres.

Les nombreux fragments de poterie de l'époque Jomon trouvés contenaient des images de spirales et de cercles concentriques (doshin enmon mon 文), centrées autour du goulot de hauts pots dans une étroite bande d'argile. D'excellents artefacts ont été découverts lors de fouilles dans la préfecture de Nagano.

Le motif peut également être tracé comme un vortex dans un motif avec des éclaircies (Inazumamon on 文), dans un motif avec des nuages (unkimon 文) et dans un motif avec des éclairs (raimon 文). Ces motifs étaient utilisés dans la sculpture, la peinture de produits émaillés, la céramique, le métal. Parfois, ils étaient également peints ou imprimés sur du tissu.

Yukiwa (Yukiwa 輪, cercles de neige, flocons de neige, représentés par des cercles à bords déchiquetés)

On sait que les flocons de neige s'appelaient «rikka» (rikka - kanji, désignant une fleur à six pétales) avant même l'invention du microscope.
Et ce n’est qu’à l’époque nouvelle que le mot "Yukiva" a commencé à être utilisé pour désigner un motif composé exclusivement de flocons de neige.

Déjà à l'époque Edo, le motif était utilisé pour décorer un kosode d'été (kimono à manches courtes). Dans le même temps, des images de pin, de bambou, d'abricot japonais, de chrysanthème et d'autres plantes ont été inscrites à l'intérieur des cercles.

Matsu mon’yu (pin matsu), le pin est considéré comme un signe favorable depuis la nuit des temps; son tracé convient donc à tout moment de l’année.

Il existe plusieurs variantes de la conception de ce modèle. Ses motifs sont souvent utilisés pour décorer les écrans sous les formes suivantes: oimatsu (oimatsu 松 - vieux pin), wakamatsu (wakamatsu - jeune pin), matsuba (matsuba - aiguille de pin), matsukas (matsukasa - cone de pin).

Dans l'intrigue appelée fukiyose (き寄せ fukiyose - a différentes significations, mais le verbe «fukiyoseru» se traduit littéralement par «coup de vent»), des aiguilles de pin et d'autres feuilles tombées sont emportées par le vent. En outre, il existe 80 types d’emblèmes de famille représentant le pin.

Le motif des aiguilles de pin est souvent utilisé sur les vêtements des participants à la cérémonie du thé. Il s’étend d’après une tradition de l’un des chefs de l’école de la cérémonie du thé, qui décorait le salon de thé et le jardin avec des aiguilles de pin, en les aspergeant au sol lorsque des branches de pin étaient allumées de mi-novembre à mars.

Les fruits de la mandarine sauvage symbolisent le désir de jeunesse et de longévité éternelles. Étant un arbre à feuilles persistantes, il embrasse l'idée de "à feuilles persistantes = éternel" et est associé au concept de longue vie et de jeunesse.

Le tachibana, qui pousse dans la partie ouest des marches sud de la salle du trône Sisin du palais impérial à Kyoto, est particulièrement populaire. Il est loué dans de nombreux poèmes de Man'yoshu (l'anthologie la plus ancienne et la plus vénérée de la poésie japonaise, compilée à l'époque Nara).

Le concept a été amélioré selon un motif appelé «Tatibana mon'u» (tachibana mon'you 文様, mandarin sauvage) utilisé pour décorer des kimonos à manches longues (furisoda), kimonos cérémoniels de femmes mariées (kurtomeshoda 黒 ou irotomesode ou и и и) Kimono semi-formel féminin (омомongs ou succesagus). Un grand nombre de dessins basés sur l'utilisation d'images de ce fruit et de ses feuilles.

Karakusamon (Karakusamon 文, herbe de Chine), également connu sous le nom de «Karakhanamon» (karahanamon 文, motif floral chinois / floral) - motif floral orné qui orne les tissus, les produits en métal, les produits émaillés, les sculptures et les détails architecturaux. Bien que le nom du motif renvoie aux motifs floraux et végétaux en provenance de Chine, la plupart d'entre eux viennent d'Asie centrale, d'Asie centrale, d'Inde, de Perse et de la péninsule arabique. Certains sont nés dans l'extrême ouest, dans la région de la Grèce et de l'Egypte.

Le motif est généralement décrit comme un motif à feuilles caduques, sans fin, qui se répète avec des vignes et des boucles courbées et torsadées.

Ce concept est devenu la base d'innombrables variations en utilisant un large éventail d'espèces de fleurs et de plantes, y compris lotus (rengemon 文), pivoine (botan karakusa 草), raisins (budou karakusa 唐草) et compositions florales ajourées (housouge 宝相華) en combinaison avec la palmette grecque (nindoumon 文 - ornement en forme de feuilles de palmier stylisées) ou l'arabesque, un motif de vigne infiniment complexe, probablement originaire de Perse.

Au Japon, le motif apparaît pour la première fois sur des objets du VIIIe siècle qui ont survécu jusqu'à présent: de nombreux spécimens ont été trouvés parmi les trésors de Sёsoin (le bâtiment du trésor du temple Todai-ji à Nara). À l'avenir, le motif a été adapté au goût japonais à l'ère Heian. Au cours de cette période, des images de prune, de glycine, de camélia, de chrysanthème, de bambou, de vigne, de pin ou de pavlonia (arbre Adam) ont souvent été ajoutées à des motifs exotiques. Dans une large mesure, l'ornement a été utilisé pour décorer le brocart de soie et le tissu damassé et a ensuite été adapté pour le transfert d'écran sur le tissu. À partir du XVIIe siècle, le karakus a été utilisé pour décorer de nombreux types de vêtements, futons en coton et tissus pour furoshiki (carrés de tissu à motifs permettant de transporter des objets de formes et de tailles variées).

Bandes Noshi (模様, noshi moyou). Ils étaient souvent utilisés pour décorer des cadeaux. Jusqu'à présent, la partie supérieure droite de l'enveloppe en papier utilisée pour les cadeaux est décorée d'un tel motif. Le tabanenoshi le plus commun (tabanenoshi связ) - un groupe de bandes étroites sous la forme d'une longue ceinture. On le trouve sur le furisode du kimono, sur les kimonos cérémoniels et semi-officiels des femmes mariées, il est considéré comme un symbole bienveillant.

Ce motif s’appelle Amime Net Loop (Amime, point de suture), il représente l’entrelacement de lignes légèrement incurvées, il n’a rien à voir avec des filets de pêche. En raison de sa beauté simple, le motif est devenu populaire à l'époque Edo. Ils décoraient souvent la céramique et les essuie-mains. Après l'ère Edo, sur la base d'Amime, de nombreuses variantes sont nées, ce qui le rapproche encore plus de la mer et de véritables filets de pêche: les filets sont combinés à des poulpes, des crevettes, des poissons. Il est clair que ce modèle était très apprécié des pêcheurs et des personnes associées à la mer, car il symbolisait le succès de la pêche. En outre, le motif a été utilisé comme armoiries familiales (mon) clans de samouraïs. À ce titre, il symbolisait le désir et la capacité de vaincre l'ennemi, le frappant avec un seul effort, comme avec un filet de filet qu'un pêcheur tire beaucoup de poisson.

Kagome (Kagome 目, panier, modèle de panier) est un modèle qui copie le tissage amime (point) d'un panier de bambou. Il est associé au gabion. Le gabion est une structure maillée avec des cellules hexagonales pour renforcer les rivières, pour la construction de fortifications. Les lits et les berges des rivières sont bordés de gabions. Ce motif est donc souvent accompagné d'images de paysages côtiers, d'oiseaux aquatiques, de saules, de roseaux et de roseaux. On pense que la forme en étoile, composée de triangles équilatéraux, la forme du blason de la famille, est une transformation d'un motif en boucle simple. Kagome peut être une amulette qui chasse les forces du mal.

Ce modèle est Soroban (Soroban, abacus, abacus) - ce modèle géométrique simple est une représentation graphique de comptes japonais.

Matoi (matoi) est un drapeau utilisé par les pompiers de l'ère Edo pour avertir les gens d'un incendie. Le drapeau était monté sur le toit d'un bâtiment situé à côté d'une maison en feu ou sur un pôle spécial matoimochi (纏持 matoimochi). Drapeau agitant, donnant un signal aux autres troupes pressées d'aider. Chaque brigade de pompiers avait son propre badge. Dans le Japon moderne, le mato est utilisé uniquement à des fins cérémonielles.

Le dieu du vent (Fujingz) et le dieu du tonnerre (Raidzin) faisaient partie de la troupe de la déesse des mille Kannon.

Dans le bouddhisme ésotérique, le dieu du vent (Fuuten 天), l'un des douze dev. Il est l'un des dieux des sphères et des éléments et huit directions, le gardien du nord-ouest. Il est également associé à la constellation du Sagittaire. Sur l'épaule de ce dieu tient un sac de serrage, il en relâche le vent. Parfois, il serre une lance avec un sultan rouge. Au Japon, le dieu du vent est généralement décrit comme un démon vert avec deux cornes, un sourire terrible, des mains et des jambes griffues.

Le dieu du tonnerre (Raidzin) est généralement rouge, avec une tête cornée et terrible, une bouche de singe, des griffes sur les mains et les pieds. Il est entouré d'un tambour et tient souvent un petit marteau pour le frapper. Sa première image au Japon se trouve dans l'illustration du «Sutra du passé et du présent de cause à effet» (VIIIe siècle). Dans cette image, le dieu du vent et le dieu du tonnerre, ainsi que d'autres démons, tentent d'effrayer le Bouddha.

À partir de la période Heian, ces deux divinités apparaissent souvent sur les images d'emaki, des rouleaux horizontaux décrivant des légendes et des contes. Connu et des images de divinités sur des écrans coulissants-bieu: bu Edo époque, laissés par les artistes Soatsu, Kenninji et Ogata Ko: rin.

Yokikotokiku ou Yokikotokiku (Yokikotokiku 琴菊) est appelé ainsi par une combinaison de trois éléments: une hache dont l'ancien nom est Yoki ou Yoki (koto), un instrument de musique souvent représenté dans l'écriture du kanji et du Kiku chrysanthem.

Ce jeu de mots: yokikotokiku (yokikotokiku) peut s’écrire ainsi: き事を聞 (yoki koto o kiku), ce qui signifie: «j’entends de bonnes nouvelles».

Le treillis de Kikugoro (Kikugorou-go: si / Kikugorougoushi 子) est appelé ainsi par le nom de Onoe Kikugoro Third (Le célèbre acteur Kabuki, qui a vécu à l'époque Bunsei au XIXe siècle). Le fait est que si vous épelez le nom de l'acteur différemment, les kanji ressemblent à des treillis.

Le nom Kikugorou () peut aussi s'écrire:
KI est le signe de Katakan (représenté dans des endroits vides)
KU signifie «neuf» (le nombre de lignes du motif)
五 GO signifie cinq ans.
呂 RO est le deuxième signe de Kanji 風 furo, furo (bain) (représenté dans des endroits vides)

Kamavan (Kama wa nu 鎌輪ぬ) est un jeu de mots sur le tissu:
kama (kama, faucille) - représenté comme une image
wa (wa 輪, cercle) - représenté comme une image
bien (nu ぬ) dans la signification de «non» est représenté sous la forme du signe Hiragana

Mais kamawanu est aussi un verbe (構わな kamawanai) qui signifie «je m'en fous, je ne m'inquiète pas». Kamavana signifie essentiellement: "Nous ne pouvons pas vous offrir de services spéciaux, mais nous vous accueillons toujours."

Ce motif était un favori de l'acteur Kabuki Danjuro (Danjuro, le Naritaya). Le motif se retrouve sur les yukata, les kimonos de bain, les essuie-mains tenugui, les châles furoshiki.

Takarazukushi ou Takarazukushi (宝尽くし, toutes sortes de trésors). Il provient des huit trésors de la Chine (宝) et est connu de la période Muromachi. Ils ont été décorés avec des kimonos pour la bonne chance. À l'époque Edo, il était souvent utilisé contre un fond noir, car il était populaire en tant que motif pour les kimonos inférieurs chez les filles issues des familles de samouraïs. Les images de joyeux talismans varient selon les époques et les régions. (Et le noir était aussi une couleur très réputée - la peinture noire était chère, et donc le tissu noir, respectivement. Les kimonos les plus élégants étaient exactement noirs)

Tenjo Koshi (天井子, tenjo koshi, grille de plafond, motif en damier au plafond) est un motif traditionnel représentant des fleurs de saison en cellules.

Fleur de kimono

La grue (鶴, tzuru) dénote la longévité, la chance, la loyauté, est un symbole de paix, d’espoir et de guérison en ces temps difficiles.

Phoenix (鳳凰, ho: o :) est un symbole de la famille impériale, en particulier de l'impératrice. Cet oiseau mythique désigne le feu, le soleil, la justice, l'obéissance, la loyauté et les constellations du sud. Le symbolisme du phénix au Japon est presque le même qu'en Chine. En outre, le phénix est l'emblème du monde.

Paon (ud, Kudzaku) - signifie amour, compassion, écoute, gentillesse et sollicitude.

Canard mandarin (oshidori, oshidori) - renforce l'union du mari et de la femme et les aide à atteindre le bonheur dans le mariage. Le mandarin est également porté par ceux qui ont des difficultés à trouver un couple, il porte bonheur en amour, mais il convient mieux aux conjoints et aide à résoudre les problèmes de la vie conjugale.

La tortue (ame, kame) est un symbole de la longévité et de l'ordre cosmique.

L'hirondelle (バメ, tsubame) est un symbole de chance, de fidélité dans le mariage et de fertilité.

Les papillons (cho, cho :) personnifient la joie, la longévité, la grâce et la beauté exquise.

La floraison des cerises (桜, Sakura) est un symbole d'amour, de joie et de conscience spirituelle.

Le pin (, matzo) est associé à la durabilité, à la chance, à l’endurance et à l’immortalité.

Le chrysanthème impérial (ik, Kiku) symbolise l’attrophie, la guérison des troubles nerveux et des maladies corporelles, ainsi que l’endurance et l’intégrité.

La pivoine (bot, bot) est un symbole de l'aristocratie et de la noblesse, ainsi que de la richesse.

Prune fleurissante (me, ume) - endurance, espoir, vertu et durabilité.

Le cèdre (sug, sugi) est un symbole des rituels de guérison, de purification et de protection.

Wisteria (”フジ, Fuji) est une romance, un mystère d'amour fort et fort.

L'érable (ede エデ, Kaede) est un symbole de bénédiction, d'élégance, de beauté et de grâce.

Iris (キツバ, kakitsubata) indique la protection contre les mauvais esprits.

La cloche (ik キョウ, kikyo) est synonyme d'amour immuable, d'honnêteté et d'obéissance. Oblako (, Kumo) - associe l'air, l'eau et le ciel, symbole de l'équilibre entre l'esprit et les émotions.

Montagnes (pit, pit) - lieux sacrés entre ciel et terre; Oiseaux survolant les montagnes - surmonter les difficultés de la vie.

Le fleuve (, kava) désigne une chaîne ininterrompue d'événements, le lien des temps, l'avenir.

Fan-Sensu (扇子, Sensu) est un symbole d'amitié, de respect, de bons souhaits et de position élevée dans la société.

Drum-Taiko (鼓, Taiko) - purification, exil des mauvais esprits.

Chariot de fleurs (han, hanagurum) - un symbole de l'esprit divin.

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Kimono féminin symbole de la culture japonaise

Les femmes japonaises ont un physique assez spécial. Petite taille, poitrine plate, hanches étroites, tête plutôt grosse et jambes pas très longues. En vertu de cette spécificité de la constitution japonaise, les normes de la mode féminine occidentale pour les femmes japonaises ne sont pas exactement «à respecter». Mais le vêtement national japonais - le kimono, cache parfaitement les défauts et souligne la dignité d’une figurine miniature représentant une femme orientale, faisant ressembler sa silhouette à une statuette de fine porcelaine impériale. Les jeunes filles japonaises portant un kimono japonais suscitent admiration et admiration. Ils semblent incroyablement élégants, sophistiqués, pleins de grâce et de mystère. Une femme japonaise mature en kimono suscitera certainement un sentiment de respect, car la posture noble et la facilité de mouvement ne disparaissent pas avec l’âge. L’histoire du kimono et, en conséquence, de la mode féminine à l’échelle nationale a plus de mille ans et demi et contient de nombreuses règles et traditions relatives au choix, à la confection et au port du kimono.

Les jeunes filles portent des kimonos à manches longues qui exposent à peine le bout de leurs doigts. Cette tradition découle de l'attitude particulière des hommes japonais vis-à-vis de certaines parties du corps féminin, à savoir le poignet et la main. Au Japon, ces parties du corps féminin sont très séduisantes. Une fille honnête devrait donc les cacher. Cette attitude anxieuse d'un homme nourrit également la courbe de la nuque d'une femme, qui est traditionnellement considérée comme le plus bel endroit du corps féminin. En marchant, les vêtements ne doivent pas s'ouvrir et exposer la jambe de la femme car ils sont considérés comme un ton grave. Pour éviter de tels incidents, les vêtements sont solidement attachés et fixés dans une certaine position sur le corps. Également à cette fin, portez des chaussettes blanches avec une membrane pour le gros orteil. Le kimono féminin est incompatible avec les seins pulpeux. Auparavant, la poitrine était particulièrement comprimée avec des bandages pour cacher sa rondeur.

Plus le kimono du haut est luxueux et beau, plus le kimono du dessous est usuel. En règle générale, ils sont tous cousus à partir de la meilleure soie délicate. Chaque couche de kimono est attachée avec sa ceinture. La couche la plus haute est le kimono principal, attaché avec une ceinture obi, qui est la partie centrale de la toilette. Elle est attachée dans le dos avec une petite garniture spéciale, deux ou quatre ceintures étroites et deux larges pour former l’arc. Cet arc est un symbole de fidélité. Les représentants d’une dynastie nouent un arc de la même manière, qui constitue souvent la base du patron des armoiries familiales. Tout cela est fixé avec un cordon spécial obi-jima, qui peut être décoré avec une broche. Ces arcs sont parfois des structures très complexes, mais une vraie femme japonaise devrait pouvoir nouer des liens. Au Japon, il existe même un dicton à ce sujet qui dit que si une femme n'est pas capable de nouer un "obi", elle n'est alors plus capable de rien.

Les filles qui ont atteint l'âge de sept ans commencent à enseigner l'art de porter le kimono féminin adulte en les portant obi. Ils apprennent les bases: comment garder la posture correctement, marcher avec des pas soignés, bouger doucement, verser du thé pendant la cérémonie du thé, s'asseoir gracieusement.

Porter un kimono est un art. Il est étroitement lié à tous les aspects de la vie des Japonais. Chaque kimono a sa place et son heure. Période de l'année ou période de la vie. Par exemple, au Japon, il y a douze saisons qui marquent la floraison de diverses plantes. Les ornements de fleurs ou les images de fleurs sur un kimono doivent «anticiper» le moment de la floraison, mais ne doivent pas coïncider avec celui-ci, car ils seront considérés comme un mauvais goût complet. C'est ainsi que les vêtements et les accessoires traditionnels japonais subtils et profonds imprègnent la philosophie et l'attitude cérémonielle de certains événements de la vie des Japonais.

La beauté, la sophistication et la singularité des tissus utilisés pour coudre le kimono féminin, sa belle silhouette claire sont pleines de sens et de désir de contempler cette œuvre d'art japonaise. Tout ce que nous voyons dans le kimono féminin: matières exquises, tableaux pittoresques, broderies de luxe faites à la main, beauté des couleurs, formes minces «volantes», grâce des mouvements… Tout ceci est une compréhension personnifiée de la beauté du point de vue de la philosophie japonaise. Et le porteur de cette beauté est la femme elle-même. Une femme en kimono est une œuvre d'art unique qui est la propriété et le symbole du Japon.

Analyse culturelle

Publication scientifique électronique

SYMBOLISME FLEUR AU QUOTIDIEN DU JAPON: LA POÉSIE DE LA VIE PRIVÉE

fleur, dictons, vie quotidienne, poésie de tous les jours

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Le texte de l'article:

La fleur fait partie intégrante de la vie quotidienne des Japonais, les images de fleurs l'accompagnent partout, de la naissance à la dernière heure. «Dès que tu vois, tu ne peux pas ne pas voir les fleurs... Quand ce que tu vois ne sont pas des fleurs, tu es comme un barbare grossier. Quand il n'y a pas de fleurs dans vos pensées, vous êtes comme une bête sauvage », a écrit le poète Basho dans ses journaux de voyage. Dans la culture japonaise, la fleur personnifiait presque toujours l'âme, le cœur vivant de la nature. [1] Et le moment de la floraison est le symbole du moment le plus élevé du cycle continu d'extinction et de renaissance.

L'analyse linguistique est en mesure de donner une idée particulièrement vivante de la culture d'un pays. Discours contient une image du monde telle qu’elle est vue par des locuteurs natifs. Et dans ce cas, il semble nécessaire de recourir en quelque sorte à l’étude de certains éléments du discours japonais, tels que les proverbes, les dictons.

En se référant aux proverbes et dictons trouvés au Japon, on peut comprendre l’importance du rôle joué par les fleurs dans leur vie. Ainsi, le proverbe japonais «le silence est une fleur» a le même sens que le mot russe «le silence est d'or», où la capacité de garder le silence au bon moment est comparée au plus grand trésor. Pour les Japonais, le plus grand trésor est la fleur.

Les fleurs sont utilisées dans de nombreux autres proverbes et dictons japonais. Le proverbe, traduit littéralement du japonais par "les autres fleurs sont plus rouges", fait référence au russe "les voisins et l'herbe est plus verte". La "fleur japonaise au sommet de la montagne" est comme un Russe "voit un œil, mais une dent pousse humblement". Quand on dit: se rencontrer sur des vêtements, escortés par l'esprit, les Japonais peuvent dire: les belles fleurs ne portent pas de bons fruits. Lorsque les Japonais font référence aux services tardifs de quelqu'un, un effort, il dit: les chrysanthèmes sont le dixième. Comprenez ce proverbe peut quelqu'un qui sait que le 9 septembre au pays du soleil levant a lieu la fête des chrysanthèmes. Un Russe à cette occasion dirait: une cuillère de route pour le dîner.

Les Japonais ont rédigé de nombreux proverbes uniques sur les fleurs. L'expression "lotus dans la boue" renvoie à l'ancienne sagesse bouddhiste "le lotus de la boue grandit, mais il reste pur". Le dicton «les fleurs de la tempête» rappelle les vicissitudes du destin et la phrase «une fleur tombée ne reviendra pas sur la branche» - à propos de l'amour irrévocable ou, parfois, de la vie.

Un autre phénomène culturel - les présages folkloriques - permet également de juger de la profondeur avec laquelle le symbolisme de la fleur a pénétré dans la vie quotidienne des Japonais. Par exemple, l'un d'eux dit qu'il ne faut pas donner de fleur au patient, car on pense que sa maladie "prend racine". Les Japonais ne donneront pas non plus trois fleurs à qui que ce soit, car l’une des lectures du hiéroglyphe «trois», c’est moi, ce qui peut signifier «corps». En coupant trois fleurs, une personne «blesse» ainsi la personne à qui elles sont destinées et peut aggraver sa maladie. Quatre fleurs ne peuvent pas être données, car le mot "quatre" en japonais a le son de C, qui est en accord avec le mot "mort".

Dans la maison japonaise, un détail important est nécessairement présent: la niche sacrée du tokonoma, aménagée dans le mur fixe de la pièce. Tokonoma est le centre spirituel de la maison. Il peut s'agir d'une gravure japonaise traditionnelle ou d'un rouleau avec un dictum, un slogan ou un poème écrit en calligraphie. Un attribut obligatoire d'un tokonoma est un petit arrangement de fleurs, l'ikebana [2].

Ikebana - maîtrise de la composition florale, construite par les Japonais au rang d'art. Un autre nom pour cet art est kado, le "sentier des fleurs". [3] L'ikebana est originaire du Japon au 15ème siècle et avait initialement une orientation religieuse, offrant aux dieux des offrandes dans les temples japonais. L'art de l'arrangement des fleurs est associé à un symbolisme assez complexe, reflétant les enseignements du bouddhisme zen. La première école de développement d'Ikebana devrait être considérée comme Ikenobo. Ikenobo a été fondé au milieu du XVe siècle par Ikenobo Senkai, un prêtre du temple bouddhiste Roccakudo de la ville de Kyoto.

Ikenobo Senkey a écrit: «L'art de l'ikebana est généralement considéré comme une copie des formes naturelles des plantes, de la manière dont elles poussent dans les champs et les montagnes. Cependant, l'ikebana n'est ni une copie ni une miniature. Dans l'ikebana, nous organisons une petite branche et une fleur dans un espace extérieur et un temps infinis, et cette œuvre contient toute l'âme humaine. En ce moment, la seule fleur de notre conscience symbolise la vie éternelle. "[4]

Au milieu du 15ème siècle, un style appelé Ricca - «Fleurs debout» a été formé dans l'ikebana. Des compositions monumentales solennelles exprimaient l'image philosophique de l'univers. Ils ont incarné le mythique mont Meru, symbole de l'univers. La plante la plus haute ici personnifiait la montagne, le reste - les collines, les cascades et même la ville. La composition florale pourrait mesurer plus d’un mètre et demi de haut et environ un mètre de large.

Le style de floraison de Ricca tombe au 17ème siècle. Des compositions de ce style décoraient des maisons à l'occasion d'événements importants. Le mariage, la naissance d'un enfant, le départ d'un samouraï en campagne militaire, tout cela était accompagné d'arrangements floraux créés selon des règles strictes. Ainsi, en quittant le samouraï, il était interdit d'utiliser du camélia, car lorsque la fleur déclina, la fleur se détacha de la tige. Il était associé à une tête coupée et pouvait être un mauvais présage.

L’école la plus moderne de l’ikebana est l’école Sogetsu ("La lune et les herbes"), qui a vu le jour en 1927. Les compositions de cette école sont créées selon certains schémas, dans lesquels sont indiqués les dimensions et les angles d'inclinaison des trois lignes principales, qui constituent la base de la composition. Comme dans l'Antiquité, ces trois lignes symbolisent le Ciel, l'Homme et la Terre [5].

La ligne principale est la tige désignant le Ciel, souvent appelée primaire, ou syn. C'est cette tige qui forme la base du bouquet, elle doit donc être assez forte. À côté se trouve la deuxième tige - le symbole de l'homme, appelé soe. Il est placé de manière à créer une impression de croissance sur le côté. Soe devrait être égal aux deux tiers environ de la hauteur du péché et incliné dans la même direction. La troisième tige, symbolisant la Terre, est la plus courte. Il est placé devant ou légèrement décalé dans la direction opposée à celle où les deux premiers penchent. Cette tige est aux deux tiers de la hauteur du soe. Toutes les tiges sont fixées afin de donner l'impression de la couronne d'un tronc unique, symbolisant ainsi l'unité et l'inséparabilité du ciel, de l'homme et de la terre. [6]

Une petite composition symbolique de fleurs, située dans un tokonoba, joue un rôle particulier dans la vie des Japonais. Cela permet à une personne d'entrer en contact avec le monde de la nature. Autrefois, cette fonction importante était remplie par le jardin japonais. Dans le monde d'aujourd'hui, tous les Japonais ne peuvent pas se permettre ce luxe: avoir leur propre coin de nature dans la cour de la maison.

Le jardin était une continuation de la maison japonaise traditionnelle. Il a joué le rôle d'une clôture et a en même temps relié la maison à l'environnement. Lorsque les murs extérieurs de la maison ont été séparés, la frontière entre l'espace intérieur de la maison et le jardin a disparu et un sentiment de proximité avec la nature et une communication directe avec elle ont été créés. C'était une caractéristique importante de l'attitude nationale.

Les habitants du pays du soleil levant prennent très au sérieux la construction d'un espace jardin. Au Japon, il existe un système généralement accepté de significations pour différents types de fleurs, qui prend en compte non seulement leur forme et leur taille, mais également leur couleur.

Souvent, dans des étangs, des mares et des petits lacs créés artificiellement, on élève des lis blancs qui symbolisent la pureté spirituelle et l'innocence, la dévotion et l'amour désintéressé. Si au centre de l'étang se trouve une tour de pierre entourée de lis blancs, cet endroit est considéré comme le plus propre et le plus sacré du jardin. Si des lis de couleur jaune foncé et orange vif poussent dans l'étang, le propriétaire du jardin est une personne enjouée.

La fleur de camélia est magnifique, elle fascine par sa beauté et son élégance. Au Japon, il est considéré comme un symbole de tristesse et de mort, mais il symbolise en même temps la pureté et la dignité spirituelles. Dans le jardin, le camélia est utilisé pour rappeler ceux qui ne sont plus en ce monde.

Les azalées dans le jardin sont généralement plantées par des familles prospères, dans lesquelles les relations sont construites sur l'amour, la confiance et la compréhension mutuelle. Ce n'est pas un hasard, car l'azalée est un symbole d'amour, d'amitié, de loyauté, d'affection spirituelle, d'ouverture, d'adoration. La fleur protège le bonheur de la famille, elle produit un effet apaisant et calmant sur le contemplateur. Les inflorescences luxuriantes sont situées près de la tige sont la personnification de l'unité et de l'indestructibilité dans les relations entre les membres d'une même famille.

Beau dahlia luxuriant signifie grandeur et noblesse, bonne volonté et réactivité. Une personne qui veut démontrer son goût exquis, son âme et sa force de caractère utilise nécessairement des fleurs de dahlia dans la composition de son jardin. [7]

Au Japon, comme en Chine, il existe un calendrier des fleurs. En 1214, le poète Fujiwara Teika écrivit des poèmes sur les fleurs et les oiseaux de douze mois, dans lesquels chaque mois avait sa propre paire - une plante et un oiseau. Plus tard, c’est à partir de ces versets que le soi-disant calendrier floral s’est formé avec des nuances symboliques, qui présentent de légères différences selon les localités. Il ressemblait à ceci: January - pine; Février - prunier à fleurs; Mars - pêche et poire; Avril - Sakura; May - azalée, pivoine, glycine; Juin - iris; Juillet - Ipomoea (fleur de la famille des convolvulidae); août - lotus; Septembre - "sept herbes de l'automne"; Octobre - chrysanthème; Novembre - érable; Décembre - camélia.

Le calendrier poétique de Fujiwara Teika contient des cartes de fleurs de hanafud japonais. Douze mois, marqués par des images de fleurs, forment le costume. Chaque costume a quatre cartes (48 cartes au total). Comme dans les cartes ordinaires, vous pouvez jouer à différents jeux et dans le hanafuda, ils jouent différemment. [8]

Il est à noter que les tasses à saké représentent souvent des fleurs incluses dans les cartes hanafuda. Dans les temples shintoïstes, les plaques Omicuji avec la prédiction du destin sont enveloppées dans des enveloppes colorées reprenant les mêmes symboles floraux. Dans le même temps, les images de fleurs de sakura, de prune, de pivoine et de chrysanthème se distinguent par le caractère le plus bienveillant [9].

À l'époque de Heian, le calendrier floral était largement utilisé dans la vie quotidienne des Japonais et touchait divers aspects, notamment les relations entre les sexes. Les relations entre un homme et une femme au Japon médiéval étaient définies par un code de conduite non écrit. Le jeune homme a envoyé à sa bien-aimée un message avec des poèmes dans lequel il était félicité pour sa beauté et sa dignité, ainsi que par son impatience face à la prochaine réunion. Il était considéré comme décent d'attacher un message à une plante à fleurs rappelant à quelle époque de l'année vivait la cour - par exemple, une branche de prunier à fleurs. [10]

Le calendrier floral est également invoqué lors du choix d'un ornement en tissu pour kimono. Ainsi, le kimono de printemps est décoré de fleurs de glycine, pivoine, «sept herbes de printemps». En été, sur le kimono, il y a l'iris, l'hortensia, le lis et les oeillets. L'été peut également servir de motif de fleurs et de papillons. Les ornements d’automne sont les fleurs de la clochette, les chrysanthèmes, les lespedets. Les jonquilles et les camélias sont un motif traditionnel de kimono d'hiver.

Tout le reste, chaque fleur utilisée comme ornement de tissu pour kimono, a sa propre signification. Cela peut être à la fois favorable et défavorable. Le motif des iris est heureux, car un type d’iris en japonais s’appelle «shobou». De même, le mot "victoire" sonne en japonais.

Parmi les ornements propices se trouve l’image d’un vieux pin chinois recouvert de mousse, dans laquelle se trouve la glycine. De nombreuses grappes de fleurs de glycine descendent des branches. Wisteria - un symbole de réussite dans la vie. Dans les temps anciens, les fibres de glycine étaient utilisées dans la confection de tissus pour vêtements, ce qui était important à tout moment et associé à la richesse. Les branches de la glycine sont généralement enroulées autour d'arbres poussant à proximité, le plus souvent dans la tradition poétique japonaise, les pins. Pine - une plante à feuilles persistantes, symbolisant la longévité. L’ornement peut être interprété comme «une prospérité jusqu’à la fin des siècles», c’est-à-dire jusqu'à ce que les pins séculaires développent de la mousse. [11] Au Japon, l'expression persistante «Si le pin est haut, alors la glycine est longue» existe toujours. Cela signifie que le succès peut être obtenu en utilisant le soutien de quelqu'un et en s'appuyant sur ses proches. [12]

Depuis des temps immémoriaux, le camélia était considéré comme une fleur divine et ses images ornent de nombreux objets d'art décoratif, mais ses fleurs tombent du buisson, ne se fanant pas, dans toute leur beauté, ce qui a obligé de nombreuses personnes à abandonner cet ornement sur leurs vêtements.

Les Likoris contiennent du poison dans les ampoules, ils ont donc commencé à le planter dans des cimetières afin que les rongeurs ne détruisent pas les tombes. En conséquence, cette belle fleur est devenue associée au cimetière et a acquis une signification négative.

La fleur de rose en tant qu'ornement de kimono a également une signification défavorable, car les épines sur ses tiges étaient associées à la douleur, ce qui était beaucoup plus important que la beauté et le parfum de la fleur elle-même.

De plus, l'ornement floral peut avoir une composition favorable ou défavorable. S'il n'y a pas de boutons sur la branche ou s'il n'y a pas d'espace libre devant le bouton où la fleur pourrait s'ouvrir, cela signifie qu'il n'y a pas d'avenir pour la floraison. [13]

Les tatouages sont un autre aspect de la vie quotidienne japonaise. Au pays du soleil levant, l'histoire de cet art a plus d'un siècle. Les tatouages avec des motifs floraux ont toujours été très populaires. Leurs motifs étaient des images de leurs plantes japonaises préférées: une fleur de pivoine symbolisant la santé et le bien-être, des chrysanthèmes, une personnification de la persévérance et de la détermination, une sakura florissante rappelant la fugacité et la vie illusoire.

Le symbolisme des fleurs n'a pas ignoré l'art culinaire du Japon. Ici, il est habituel de préparer des bonbons sous la forme de certaines fleurs lors de leur floraison. Ceci est en partie dû à la tradition han. Ainsi, par exemple, au début du mois de juin, lorsque la saison des pluies n'était pas finie au Japon, des inflorescences translucides rappelant des hortensias et ressemblant à des hortensias avec des feuilles vert pâle sont servies pour le thé. Ces fleurs d'hortensia comestibles symbolisent la jeunesse et la fraîcheur de la nature.

Dans la perception japonaise, le mot "fleur" - Khan - dépasse un concept étroit et spécifique. Il désigne le meilleur moment, la fierté, la couleur de quelque chose, et entre également dans les mots complexes - Hanabanasy (brillant, brillant), Haname (mariée), Hanamuko (marié), Hanagata (star de théâtre). Dans le théâtre Kabuki, la scène pour la sortie des acteurs s'appelle le khanamiti - «sentier des fleurs». Lorsque les acteurs passent devant le hanamiti, le public leur offre des cadeaux et des bouquets de fleurs strictement sélectionnés pour la saison.

Au Japon, il existe une tradition unique de hanami - admirer la floraison des plantes. Selon la saison, les Japonais peuvent assister à la floraison du muguet, du tournesol, de l'oeillet, de la cosmée, des tulipes et de nombreuses autres plantes poussant au Japon. La première des années Khan a lieu fin février - début mars dans la préfecture de Shizuoka, au moment de la floraison des pruniers. Le moment du prochain hanami a rapporté des magazines spéciaux et des émissions à la radio et à la télévision.

Cependant, en premier lieu, les Khans sont associés inconditionnellement à sakura. En parlant de "Khan", le mot qui traduit littéralement en russe "fleur", les Japonais désignent très souvent par défaut exactement la fleur de cerisier. On croit que Sakura - l'incarnation de l'âme du Japon.

Selon le monument littéraire Nihon shoki, la tradition consistant à admirer le sakura en fleurs a commencé au 3ème siècle. Sakura au Japon est très populaire: chaque année, les météorologues et le grand public surveillent le soi-disant Sakura Blossom Front. Les journaux télévisés et les articles de journaux relatent les stades de floraison des cerisiers et les meilleurs endroits pour regarder la floraison. En 1992, l’organisation publique de la Société japonaise Sakura a lancé Sakura Blossom Holiday. Cette fête a lieu dans tout le Japon, le moment de sa tenue dépend de la floraison du sakura.

Les Japonais sont très gentils avec leur caractère, de sorte que les festivals consacrés à l'admiration de sakura sont très populaires. Après la floraison du sakura, de nombreux Japonais parcourent le pays pour passer tout le printemps à admirer la couleur cerise. On croit que la tradition de pique-nique sous les arbres en fleurs est associée à la croyance ancienne selon laquelle le pollen tombé dans la tasse de saké donne force et santé.

De nombreux temples de Kyoto à cette époque sont des représentations de danseurs exécutant une "danse de cerises" complexe. Des pétales de fleurs de cerisier sont éparpillés autour de leurs épaules, de leurs cheveux et de leurs vêtements, de sorte que les filles elles-mêmes ressemblent à des sakura.

Les aristocrates de l'ère Heian croyaient que les fleurs de sakura illustraient le mieux la thèse bouddhiste sur la fragilité et l'illusion de la vie, son caractère éphémère - le sakura s'épanouissait de manière magnifique, mais pas pour longtemps, ses pétales volaient en quelques jours, n'ayant pas le temps de s'estomper. L’effritement des pétales Sakura est devenu un symbole du principe esthétique japonais du mono-no-avaré - le charme triste des choses qui traduisent la variabilité du monde et la fragilité de la vie. À cette époque, il était également de tradition d'envoyer des poèmes de sa propre composition à sa bien-aimée, en appliquant à la lettre des figurines en papier fumiko en papier à la senteur de sakura. Alors qu'ils voyageaient dans une enveloppe, la lettre a également adopté le doux parfum de fleur de cerisier [14].

En mai, l'iris fleurit au Japon, emblème du cinquième mois de l'année. Il existe une tradition d'admiration des iris dans les parcs et les temples shinto près des étangs. [15] Et le 5 mai au Japon, une fête spéciale est célébrée - la fête des garçons - directement associée au symbolisme de l'iris.

La fête a eu ses origines dans les premiers siècles de notre ère, lorsqu'il a marqué le début du travail sur le terrain et était associé à des cérémonies mystiques protectrices [16]. Ce jour-là, dans chaque maison où il y a un garçon de moins de 15 ans, des bouquets d'iris et de nombreux objets avec leurs images sont exposés au public.

Le jour des garçons, un talisman magique spécial - «May Pearl» - est en cours de préparation à partir d'iris et de fleurs orange, ce qui devrait protéger contre les maladies et inspirer le courage à l'âme des hommes de demain. Également ce jour-là, il est de coutume de faire cuire du Timaki - des boulettes de riz enveloppées dans des feuilles d'iris - un symbole de santé et d'endurance.

Pour les Japonais, l'iris est en quelque sorte un talisman, un protecteur contre les catastrophes et les malheurs. Dans les villages, les iris sont souvent plantés sur le toit - on pense que la fleur sauve des typhons [17]. Parfois, les fleurs et les feuilles de l'iris étaient simplement disposées sur les toits des maisons, sous les combles, à l'entrée de la maison - pour effrayer les mauvais esprits.

Pour améliorer la santé des Japonais, prenez un bain de feuilles d'iris. On croit que cela confère du courage, donne du succès et prévient diverses maladies. Pendant longtemps, seuls les membres de familles nobles et de haut rang pouvaient se permettre de telles procédures. En outre, les Japonais sont convaincus que le collier avec les feuilles de l'iris prévient le rhume et nettoie les péchés. Et au Moyen Âge, les fonctionnaires portaient des feuilles d'iris.

Très probablement, une telle idée de l'iris est causée par une forme spéciale de sa feuille, ressemblant à une épée. Le nom de l'iris shobou en japonais est homonyme du mot «esprit guerrier», grâce auquel la fleur d'iris est devenue un symbole de courage, de courage militaire, de succès et de bonne santé. [18]

Chaque année à la fin du mois de mars au Japon, une célébration des camélias en fleurs a lieu. Et puis la fête de la lanterne est arrangée. Ce jour-là, des offices sont célébrés dans les temples et les tombes sont décorées de fleurs et de lanternes allumées. La coutume de décorer des cimetières avec des camélias est née du fait que les feuilles de camélia restent vertes et fraîches toute l’année. Admirez le charme et en même temps une vue triste de la ville et venez touristes et autochtones japonais. Les jardiniers viennent des villages et apportent des buissons de camélia en fleurs à la vente. Si nous rapportons cette coutume à la culture européenne, cela ressemble au décor traditionnel des arbres de Noël [19].

Tout au long de leur histoire, les camélias étaient des symboles culturels aux significations souvent opposées. Le premier camélia tsubaki était l'un des symboles de la déesse du soleil, Amaterasu, et pendant l'interdiction du christianisme au Japon, elle est également devenue un symbole de Jésus-Christ parmi les catholiques souterrains japonais, à qui il a été interdit de porter une croix. Et maintenant, l'église catholique de Nagasaki est décorée d'un ornement à partir de fleurs de tsubaki.

En japonais, le mot «sadzanka», qui signifie l'une des espèces de camélia, est écrit en trois hiéroglyphes, ce qui signifie «montagne», «thé» et «fleur», ainsi que «thé de montagne en fleurs». [20] Pas étonnant que le camélia soit un «invité d'honneur» aux cérémonies du thé. Il était souvent utilisé dans l'ikebana en complément de la branche de pin, personnifiant la force et la durabilité. Dans le même temps, la fleur de camélia elle-même symbolisait la tendresse. [21]

En septembre, les Japonais admirent les chrysanthèmes, symbole de l'automne. Depuis 831, le festival des chrysanthèmes est célébré chaque automne.

Au Japon médiéval, le neuvième jour du neuvième mois, selon le calendrier lunaire, les courtisans étaient invités au palais impérial, buvaient du vin de chrysanthème, écoutaient de la musique, admiraient les chrysanthèmes du jardin et composaient des poèmes. A notre époque, la fête nationale des chrysanthèmes a lieu le 9 septembre. Il consulte solennellement toutes les personnes dirigées par l'empereur. À la veille de la fête nationale dans les villes, partout organisé des expositions de fleurs luxueuses. Les chrysanthèmes décorent des villes et des villages, des maisons et même des voitures japonaises. Les habitants du pays du soleil levant ont installé chez eux des abeilles de chrysanthèmes, ont fabriqué des guirlandes, se sont amusés, ont lu des poèmes dans lesquels ils glorifiaient la fleur du soleil. [22] Depuis l'Antiquité, il est d'usage d'écrire des poèmes sur de longs rouleaux de papier et de les accrocher à des arbres. On croit que même le vent peut profiter des belles lignes et diffuser les nouvelles des vacances dans le monde entier.

Les Japonais pensent que la fleur de chrysanthème, cueillie le neuvième jour du neuvième mois, a un pouvoir spécial et magique et vous permet de préparer un merveilleux outil qui préserve la jeunesse éternelle [23]. Pour préserver leur jeunesse et leur beauté, les beautés médiévales japonaises se sont essuyé le visage avec un chiffon imbibé de rosée de chrysanthèmes. À l'époque Heian, les fleurs de chrysanthème étaient utilisées pour "prévenir les malheurs". Les fleurs ont été enveloppées dans un tissu de coton afin qu'elles soient imbibées de leur parfum, puis elles ont essuyé le corps avec ce linge. On croyait qu'une telle procédure contribuait à la santé et à la longévité.

En se posant la question de la longévité, les Japonais ont nécessairement commémoré leurs ancêtres - le neuvième jour du neuvième mois, des moines bouddhistes dans les temples ont organisé un service funèbre. Pendant le service utilisé chrysanthèmes, d'où son nom - Kiku-Kyu. Au cours de l’un des offices les plus célèbres du temple Kannon dans le quartier d’Asakusa à Tokyo, les chrysanthèmes ont reçu une place spéciale: ils ont été offerts à la statue de Bouddha. À la fin du service, les fleurs ont été ramenées à la maison. On croyait qu'après un tel rituel, les chrysanthèmes avaient la capacité de détourner la maladie et le malheur [24].

À la lumière de tout ce qui précède, nous pouvons conclure que toute la vie quotidienne des Japonais est imprégnée de symbolisme floral. La fleur fait partie intégrante de sa conscience. Dans la culture japonaise, il existe une légende qui vous permet de mieux comprendre le rôle de l'image de la fleur dans la culture du Japon.

Lorsque le dieu Ninigi, qui descendit du haut paradis sur les îles du Japon, se vit offrir le choix entre deux filles du dieu de la montagne, il choisit la soeur cadette nommée Blossoming et le doyen High Rock, il l'envoya à son père car il la considérait comme laide. Puis le père se mit en colère - il espérait lui-même épouser d’abord la fille aînée - et raconta son intention première: si Ninigi avait choisi Rock comme épouse, la vie de ses descendants serait éternelle et durable - comme des montagnes et des pierres. Mais Ninigi a fait le mauvais choix et, par conséquent, la vie de ses descendants, c'est-à-dire tous les Japonais, allant des empereurs aux roturiers, sera d'une beauté orageuse, mais de courte durée - comme la floraison printanière. [25]

Les Japonais comprennent que leur vie est florissante, avec tous ses attributs: croissance, floraison, flétrissement. La fleur est l'image qui convient parfaitement à la biographie de toute personne. Quel homme, comme une fleur. Parce que les fleurs jouent un rôle si important, même dans les moindres détails qui composent la vie humaine. Les Japonais ont réussi à saisir et à développer cette connexion, et maintenant des images de fleurs les entourent partout, remplissant la vie de sens.

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[25] Meshcheryakov A.N. Livre de caractères japonais. - M.: Maison d'édition "Natalis", 2010; - avec. 49, 494.